LA CARACTERIZACIÓN EN EL TEATRO

Uno de los elementos más importantes en el mundo del teatro es la caracterización. Esta elemento ayuda al personaje a meterse en su papel y al espectador a visualizarlo.
El trabajo de maquillaje se realiza en los camerinos por maquilladores especializados y en ocasiones por los mismos actores que previamente han dado clases con caracterizadores para poder realizar el maquillaje de la manera más óptima posible.

COMO SE REALIZA EL MAQUILLAJE EN TEATRO

El maquillaje de teatro se elabora pensando en la distancia, entre el escenario y el público, una distancia que podría variar según el lugar donde se realice la representación, haciendo una media de la primera fila con la última. Se contrastan los sombreados de manera que se puedan definir los rasgos y apreciar la expresión del actor desde la mitad de la platea.

A continuación vamos algunas caracterizaciones y maquillajes realizados para teatro.

Corinne 2010                  Cervantes







Gandhi                                         KATS




Como podemos apreciar de cerca, se nota con muchísima claridad la técnica del claro/oscuro, pero si nos fijamos desde la distancia del espectador y teniendo en cuenta lo que los focos afecta al maquillaje, el maquillaje cambia completamente dejando de parecer exagerado.





http://cinelocuracr.blogspot.com.es/2011/07/caracterizacion-de-un-personaje.html

http://www.stickartstudio.eu/inside/blog/la-caracterizacion-en-teatro/

LA MUJER EN EL TEATRO

Hoy en día se relativiza entre la crítica la consideración de la fecha de 1587 como la de la incorporación de la mujer a la escena como actriz, por la presencia de otros testimonios anteriores que evidencian la presencia de la mujer en el escenario. Recordemos antes que nada que la fecha de 1587 (precisamente el 17 de noviembre de 1587) coincide con la emisión, por parte del Consejo de Su Majestad, del decreto con el que se autorizaba la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándo la a la condición de que sólo representasen las que estuvieran casadas con actores de su misma agrupación. Con este decreto se levantaba la prohibición contra la actuación de las mujeres en las tablas que entró en vigor el 6 de junio de 1586 por iniciativa de la Junta de Reformación y en la que se ordenaba textualmente que “á todas las personas que tienen compañias de representaziones no traigan en ellas para representar ningun personaje muger ninguna, so pena de zinco años de destierro del reyno y de cada 100.000 maravedis para la Camara de Su Majestad”. Prohibición que ese mismo día, 6 de junio, se notificaba al autor Jerónimo Velázquez.




El decreto de 1587 se emitía a raíz de la petición que el mismo 17 de noviembre los hermanos Drusiano y Tristano Martinelli, que dirigían la compañía italiana de I Confidenti, habían presentado al Consejo con el fin de obtener la licencia para representar en el corral del Príncipe de Madrid con las actrices que llevaban en su agrupación, es decir, Angela Salomona, Angela Martinelli y Silvia Roncagli, apodada la Francesquina. En dicha petición los hermanos Martinelli justificaban la necesidad de que las actrices de su agrupación representasen argumentando quetextualmente “las comedias que traen para representar no se podran acer sin que las mugeres que en su compañía traen las representen y porque demas de que en tener esta licencia no se recibe daño de nadie, ante mucho avmento en la limosna en los pobres”.


El 17 de noviembre de 1587 el Consejo de Castilla, tras haber constatado que efectivamente las actrices que formaban parte de la compañía italiana estuvieran casadas y acompañadas por sus cónyuges, promulgaba un nuevo conjunto de disposiciones por las que autorizaba, como se ha dicho, la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándola a dos condiciones: la primera de ellas era que las actrices estuviesen casadas y fueran acompañadas por sus cónyuges .

Actualmente hay igualdad en los derechos de hombres y mujeres y podemos ver obras donde la protagonista es una mujer, o son todas las protagonistas principales mujeres.

LENGUAJE TEATRAL

El lenguaje teatral es un arte que somete a la conciencia del espectador a todo aquello que percibe e imagina a partir de lo que ve o escucha desde una butaca a través de la utilización de la palabra y de elementos no verbales, pasando por un gesto hasta la iluminación, el teatro se convierte en un juego artístico para el actor que crea un mundo imaginario donde el público es el testigo más cercano.



Expresión y juego

El actor tiene que hacer llegar con sus gestos y movimientos los sentimientos  a los espectadores.Debe de dejar de ser él por completo,para convertirse en otra persona totalmente.
El uso de la gestualidad , emotividad e imaginación , junto con los elementos linguísticos, son las herramientas que le permiten desarrollar su capacidad artística y actuar en la transmisión del lenguaje al espectador.



Lenguaje y contenido: inseparables

 El modo de actuar no sólo dependerá de la obra sino que también de la realidad que el director quiere comunicar. Y depende de la realidad que quieras evocar, no solamente la actuación, sino todos los elementos que conformen ese lenguaje: "no se puede separar lenguaje de contenido".

El texto teatral



Por otro lado,El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con sus diálogos nos van contando la historia. No vemos un narrador que nos guíe. Sin embargo, el narrador está en el texto teatral de la misma manera que está en el texto narrativo. El narrador de un cuento o una novela nos describe los lugares en los que sucede la acción, nos explica cómo piensan los personajes, qué sienten, cómo hablan. En un texto teatral también encontramos un narrador que nos cuenta dónde sucede la acción, qué sienten los personajes o cómo hablan. El narrador de un texto teatral está escondido detrás de las acotaciones escénicas. Las acotaciones son aquellos textos de una obra que no han de ser pronunciados por los actores y que nos indican, por ejemplo, los nombres de los personajes (dramatis personae), las indicaciones de entradas y salidas, las descripciones de los lugares, las indicaciones para la interpretación, el nombre del personaje que habla en cada momento, etc. Estas notas casi siempre están escritas entre paréntesis. En el teatro griego estas indicaciones las hacía el autor cuando montaba las obras con actores (por eso no están escritas en los textos clásicos), y recibían el nombre de didascalias.





Os adjuntamos video de un fragmento de una obra para que intenteis apreciar todo lo anterior

http://soutiendenoticias.tripod.com/lenguaje_teatral_lula.htm

http://www.edu365.cat/eso/muds/castella/literatura/teatro/seductores/pantalla3.htm



LOS CLAVELES EN EL TEATRO

 

Si ha pensado enviar flores al camerino de un actor o una actriz -algo que ellos agradecen mucho-, no se le ocurra incluir claveles e el ramo. Esta superstición procede, al parecer, del siglo XIX. Entonces, los teatros contrataban a los intérpretes por temporada y su manera de comunicar la renovación del contrato a una actriz era enviarle rosas.

 Si, por el contrario, le enviaban claveles, era la sutil manera que tenía el empresario de decirle que estaba despedida.

En esta escena de moulin rouge, toda la lluvia de petalos que se produce en el escenario son de pétalos de rosas.

LA OBRA MALDITA ESCRITA POR SHAKESPEARE

Las gentes de la escena evitan decir la palabra «Macbeth» en el teatro, y se refieren a ella como «la obra escocesa». De hecho, existe incluso un ritual en el caso de que alguien la pronuncie para limpiar la maldición: salir del teatro, escupir en el suelo, girar sobre sí mismo tres veces y pedir a gritos poder volver a entrar en la sala. Acerca del origen, tampoco está claro. Hay quien culpa a Shakespeare, por incluir conjuros y maldiciones auténticos en el texto.

Otros dicen que a las brujas reales no le gustó el trato recibido en la obra y la maldijeron. Y los más prácticos esgrimen otro argumento: hay tanta violencia y armas en ella que no es difícil que surjan accidentes. El mal fario empezó en el mismo estreno de la obra, en 1606, cuando el actor que interpretaba a Lady Macbeth (en el teatro isabelino no se permitía actuar a las mujeres) enfermó repentinamente y murió entre cajas. Los percances a lo largo de la historia han implicado a actores como Laurence Olivier o Charlton Heston.



LOS COLORES DEL TEATRO

Cada color en el Teatro significa una cosa distinta.
 En las obras se utilizan diferentes iluminaciones para dar un efecto u otro y crear la atmósfera perfecta según la historia que se represente.



Rojo: Enojo, pasión, crimen, vergüenza, tragedia, odio. Sugiere calor, poder, vigor, energía, valor y prisa. Es el color de la realeza y los cardenales. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de tragedia representada con iluminación roja

Naranja: Otoño y cosecha, contento, calor, abundancia. Sugiere pasión e inquietud. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena representando la pasión (por cristo) que se representa con la iluminación en naranja

Amarillo fuerte: El sol, la cosecha y el verano. Sugiere alegría, jubilo, sabiduría y amor como el oro, sugiere pompa y poder. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de alegría representada con iluminación amarillo fuerte


Amarillo suave: Celos, inconstancia, decepción, decadencia, indecencia y enfermedad. Como símbolo de la cobardía, sugiere infidelidad y traición. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de Celos representada con iluminación amarillo suave

Verde: Color de la primavera. Sugiere vida, esperanza, inspiración, vitalidad, juventud, vigor. Como el color de los bosques sugiere soledad, paz y eternidad, celos y misterio. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de vitalidad representada con iluminación verde

Azul: Verdad, quietud, paz, estabilidad, esperanza, espiritualidad, amor. Sugiere un estado de ánimo deprimido.

En la siguiente foto vemos que hay una escena de espiritualidad representada con iluminación azul

Violeta: Realeza, majestuosidad y riqueza. Sugiere vejez, sufrimiento, seriedad y pasión. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de sufrimiento representada con iluminación Violeta

Negro: Muerte, dolor, horror, desesperación, tortura, luto, misterio, maldad y vergüenza. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de muerte representada con iluminación Negra

Blanco: Invierno. Pureza, inocencia, santidad, fe, castidad. Sugiere divinidad, ángeles, virginidad, entereza, humildad, modestia y verdad.

En la siguiente foto vemos que hay una escena de pureza representada con iluminación blanca

https://www.google.es/search?q=escena+teatro+con+luz+negra&biw=1438&bih=675&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0CAYQ_AUoAWoVChMIjM6_2qrHyAIVAzYaCh0HMgbv&dpr=0.95#tbm=isch&q=escena+teatro+muerte+con+luz+negra+muerte&imgrc=Ry9qJ8WJl7B-MM%3A

EL COLOR AMARILLO EN EL TEATRO

El color amarillo está proscrito en el mundo de la escena, e incluso hay quien se pone nervioso si alguien del público lo lleva. Al parecer, nace de la muerte en escena del dramaturgo frances Jean-Baptiste Poquelin, Molière.

En febrero de 1673, Molière estrenó «El enfermo imaginario», y vestía de amarillo. En plena representación se sintió indispuesto y pocas horas después moría en su casa. Desde entonces, se considera este color gafe para el escenario.



El estreno de «Salomé», de Oscar Wilde, cuyos bocetos de escenografía estaban dominados por el amarillo, acrecentaron su fama, pues la representación pública de la obra fue prohibida en Gran Bretaña hasta 1958. Hoy día cuando se representa Salomé, s continua evitndo el amarillo en escenografia.En el fragmento que esta a continuación podeis comprobarlo.