Surge muy vinculado a las celebraciones religiosas.El punto de partida fueron los tropos, breves piezas cantadas que pronto se hicieron dialogadas. Se intercalaban en la celebración litúrgica y los sacerdotes las incluían en las ceremonias de culto. En general iban ligadas a momentos importantes dentro del ceremonial catolico: navidad, epifanía, pascua de resurrección. En España, al igual que en Europa occidental, la representación dramatica se inicio con los dramas litúrgicos que estaban escritos en latín y se presentaban en navidad y semana santa. A finales del siglo XII ya se empezó a emplear la lengua romance en estas representaciones. con el crecimiento de las ciudades, el teatro va cobrando mayor fuerza y gran cantidad de publico acudía a los atrios de las iglesias a contemplar los espectáculos, que ademas de los temas litúrgicos reflejaban las realidades sociales.
El Teatro Medieval fue una pieza muy importante en el desarrollo de la vida del ser humano gracias a este hoy en la actualidad gozamos de un excelente teatro, el cual nos brinda una recreación de distintas situaciones que el hombre esta sometido, alegrías desgracias, etc, o nos muestra diferentes del hombre.
El teatro es una rama de las artes escénicas, en el cual se pueden representar historias, ideológicas, conceptos , religión, política . Para representarlo se usa el habla , los gestos, la mímica, la danza, la música y otros factores. El teatro es un medio de expresión en el cual se sucita emociones, sentidos, pensamientos, se manifiestan los estados afectivos. El teatro es uno de los medios mas innatos del ser humano, desde la prehistoria y en diferentes periodos.
Desear suerte el día del estreno es sinónimo de mala suerte. Para sustituirlo, se utilizan expresiones como «rómpete una pierna» o «Mierda». Las dos tienen origen, al parecer, en el teatro isabelino británico. No está claro el significado de la primera expresión, pero podría referirse a que a los actores, tras una buena actuación, se les arrojaban monedas al escenario; los intérpretes, entonces, se arrodillaban y «rompían la línea de la pierna» para recogerlas. En el caso de la segunda expresión, popularizada en el teatro francés, parece referirse a los excrementos que dejaban los caballos de los carruajes de los asistentes al teatro. Cuanto mayor era la «mierda» alrededor del teatro, mayor éxito suponía para la obra.
Prohibido silbar. Silbar en escena es sinónimo de mala suerte. Por lo menos para quien lo haga, ya que la tradición exige que sea despedido. Todo parece provenir de la época en que no había otra forma de comunicación que la voz. Los técnicos trasladaban las órdenes dadas por el director mediante silbidos codificados. Si una persona ajena a ellos silbaba a destiempo, podía provocar una catástrofe en escena.
Las plumas de pavo real.
Las plumas de este animal están mal vistas no solo en el teatro. Los coloridos dibujos de estas aves, que pueden recordar a un ojo diabólico, parecen tener la culpa de ello: significan mal de ojo. Según la tradición, han ocurrido muchos sucesos desagradables y accidentes en escena con un denominador común: había en ella una pluma de pavo real.
Una luz siempre encendida.
Nunca ha de dejarse el escenario completamente a oscuras. La razón, los fantasmas. En el mundo del teatro son innumerables las historias y las leyendas sobre fantasmas; la más famosa, la que recogió Gastón Lerroux en su novela «El fantasma de la Ópera». Para ahuyentarlos, siempre permanece una luz encendida en el escenario o entre cajas.
Prohibido tejer lana.
Los actores pasan en ocasiones muchos tiempos muertos en sus camerinos, esperando salir de nuevo a escena o aguardando en los ensayos; y han de entretenerse con algo. Pero tienen prohibido tejer algo con lana, eso significa mala suerte para todo el reparto de la obra.
No a los espejos.
Que se rompa un espejo equivale, según el acerbo popular, a siete años de mala suerte, y no solo en el mundo de la escena, donde son sinónimo de mal fario incluso enteros. De todos modos, y supersticiones aparte, los espejos reales son elementos peligrosos encima de un escenario, porque presentan problemas técnicos con las luces, y pueden ser causa de distracción para algún actor o actriz poco concentrados y con hinchazón de ego.
El libreto bajo la almohada.
Algunos actores, durante el período de ensayos, dormían con el libreto bajo la almohada. No es que se hubieran enamorado del texto o de su personaje, sino que existía la creencia de que así les sería más fácil aprenderse el papel; por el contrario, otros lo consideran signo de mala suerte. En cualquier caso, siempre es más seguro tratar de aprendérselo a base de estudio y repetición.
Y aquí dejamos un vídeo con curiosidades de las supersticiones.
Se dice que nació un 23 de abril de 1564 y murió el mismo día que su contemporáneo Miguel de Cervantes, el 23 de abril de 1916.
Al morir William Shakespeare. Lanzó una maldición (escrita en su epitafio) sobre cualquier persona que profanara su tumba. Shakespeare está enterrado en la Holy Trinity Church de Stratford-upon-Avon, bajo un epitafio que dice: “Buen amigo, por Jesús, abstente de cavar en el polvo aquí encerrado. Bendito sea el hombre que respete estas piedras y maldito el que remueva mis huesos”. Además, una leyenda afirma que en su tumba se hallan las obras inéditas que se sabe que escribió pero que no han llegado a nuestros días.
En vida Shakespeare. Escribió 37 obras de teatro y 154 sonetos y hay un total de 13 suicidios en sus obras.
Se casó con una mujer embarazada bastante mayor que él.
A los 18 años, Shakespeare se casó con Anne Hathaway, ocho años mayor que él y a la que había embarazado. Además de esa primera niña (Susanna), tuvieron luego mellizos: otra niña (Judith) y un niño llamado curiosamente Hamnet. Una de las pocas cosas que se sabe de la relación entre Shakespeare y Hathaway es que acostumbraban a vivir separados.
No existe ningún descendiente suyo.
Hamnet murió de niño en 1596 y sólo una de sus hijas le dio una nieta, que murió sin descendencia en 1670. En cambio, Shakespeare tenía siete hermanos.
Su obra más corta es la comedia de las equivocaciones
Se representa en menos de hora y media, mientras que Hamlet, su obra más larga, requiere cuatro horas.
Todos sus papeles femeninos están escritos para hombres.
Esto se debe a que en aquella época era ilegal que las mujeres actuaran en obras de teatro. Esta sequía de actrices se mantendría hasta el periodo de la Restauración.
No se sabe cuál es la forma correcta de escribir su apellido.
En ninguna de las seis firmas que se conservan deletreó Shakespeare su propio apellido como lo hacemos hoy, pues escribió Shakespe, Shakspe, Shakspere y Shakespear.
Inventó un total de 1.700 palabras y expresiones.
O, por lo menos, fue el primero en escribirlas en inglés. Entre ellas se encuentran vocablos de uso tan común como amazement (asombro), arrogance (arrogancia) assassination(asesinato), bloody (sangriento), generous (generoso), road (camino) y suspiscious(sospechoso). También aparecieron por vez primera en El mercader de Venecia la expresión “No es oro todo lo que reluce” y el nombre Jessica.
Se cree que sus padres e hijos eran analfabetos.
Shakespeare asistió a una pequeña escuela local, donde aprendió a leer y escribir, además de latín. Sin embargo, esto no era costumbre en aquella época, y los indicios apunta a que su familia, de origen humilde, era analfabeta por lo menos en gran parte.
Macbeth es la obra más representada del mundo
Se calcula que tienen lugar un promedio de seis actuaciones diarias; es decir, el equivalente a una representación cada cuatro horas en alguna parte del mundo.
Su profesión era en realidad la de actor.
Así figura en documentos recogidos entre 1592 y 1603. Se sabe que actuó en una obra de Ben Jonson y que acostumbraba a hacerlo en las suyas. Eso sí, dado que era un hombre atareado, escogía papeles secundarios como el de fanstasma en Hamlet y el de Adam enComo gustéis.
Algunos investigadores afirman que no escribió sus obras Hay quien dice que muchas las escribió gente a la que contrataba, otros dicen que fue un seudónimo utilizado por algún otro escritor como Francis Bacon e incluso hay quien sostiene que nunca existió tal persona, sino que se trata de una figura ficticia bajo la que se aglutinaron distintos escritores. En cualquier caso, las pruebas de que existió y escribió las obras que se le atribuyen son más sólidas que dichas teorías.
Repartió su herencia de forma extraña.
Shakespeare hizo mucho dinero al ejercer también de empresario en el mundo del teatro, y decidió cederle la mayor parte de su patrimonio a su hija Susanna y una parte muy pequeña a su hija Judith, mientras que su mujer tuvo que conformarse con su “segunda mejor cama”. Las razones por las que lo pudo haber hecho son sólo especulaciones.
Más de 60 personajes mueren en sus tragedias.
En este gráfico (en inglés) podéis ver lo retorcidos que podían llegar a ser los desenlaces de algunos personajes shakesperianos.
Uno de los elementos más importantes en el mundo del teatro es la caracterización. Esta elemento ayuda al personaje a meterse en su papel y al espectador a visualizarlo. El trabajo de maquillaje se realiza en los camerinos por maquilladores especializados y en ocasiones por los mismos actores que previamente han dado clases con caracterizadores para poder realizar el maquillaje de la manera más óptima posible.
COMO SE REALIZA EL MAQUILLAJE EN TEATRO El maquillaje de teatro se elabora pensando en la distancia, entre el escenario y el público, una distancia que podría variar según el lugar donde se realice la representación, haciendo una media de la primera fila con la última. Se contrastan los sombreados de manera que se puedan definir los rasgos y apreciar la expresión del actor desde la mitad de la platea.
A continuación vamos algunas caracterizaciones y maquillajes realizados parateatro. Corinne 2010 Cervantes
Gandhi KATS
Como podemos apreciar de cerca, se nota con muchísima claridad la técnica del claro/oscuro, pero si nos fijamos desde la distancia del espectador y teniendo en cuenta lo que los focos afecta al maquillaje, el maquillaje cambia completamente dejando de parecer exagerado.
Hoy en día se relativiza entre la crítica la consideración de la fecha de 1587 como la de la incorporación de la mujer a la escena como actriz, por la presencia de otros testimonios anteriores que evidencian la presencia de la mujer en el escenario. Recordemos antes que nada que la fecha de 1587 (precisamente el 17 de noviembre de 1587) coincide con la emisión, por parte del Consejo de Su Majestad, del decreto con el que se autorizaba la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándo la a la condición de que sólo representasen las que estuvieran casadas con actores de su misma agrupación. Con este decreto se levantaba la prohibición contra la actuación de las mujeres en las tablas que entró en vigor el 6 de junio de 1586 por iniciativa de la Junta de Reformación y en la que se ordenaba textualmente que “á todas las personas que tienen compañias de representaziones no traigan en ellas para representar ningun personaje muger ninguna, so pena de zinco años de destierro del reyno y de cada 100.000 maravedis para la Camara de Su Majestad”. Prohibición que ese mismo día, 6 de junio, se notificaba al autor Jerónimo Velázquez.
El decreto de 1587 se emitía a raíz de la petición que el mismo 17 de noviembre los hermanos Drusiano y Tristano Martinelli, que dirigían la compañía italiana de I Confidenti, habían presentado al Consejo con el fin de obtener la licencia para representar en el corral del Príncipe de Madrid con las actrices que llevaban en su agrupación, es decir, Angela Salomona, Angela Martinelli y Silvia Roncagli, apodada la Francesquina. En dicha petición los hermanos Martinelli justificaban la necesidad de que las actrices de su agrupación representasen argumentando quetextualmente “las comedias que traen para representar no se podran acer sin que las mugeres que en su compañía traen las representen y porque demas de que en tener esta licencia no se recibe daño de nadie, ante mucho avmento en la limosna en los pobres”.
El 17 de noviembre de 1587 el Consejo de Castilla, tras haber constatado que efectivamente las actrices que formaban parte de la compañía italiana estuvieran casadas y acompañadas por sus cónyuges, promulgaba un nuevo conjunto de disposiciones por las que autorizaba, como se ha dicho, la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándola a dos condiciones: la primera de ellas era que las actrices estuviesen casadas y fueran acompañadas por sus cónyuges .
Actualmente hay igualdad en los derechos de hombres y mujeres y podemos ver obras donde la protagonista es una mujer, o son todas las protagonistas principales mujeres.
El lenguaje teatral es un arte que somete a la conciencia del espectador a todo aquello que percibe e imagina a partir de lo que ve o escucha desde una butaca a través de la utilización de la palabra y de elementos no verbales, pasando por un gesto hasta la iluminación, el teatro se convierte en un juego artístico para el actor que crea un mundo imaginario donde el público es el testigo más cercano.
Expresión y juego
El actor tiene que hacer llegar con sus gestos y movimientos los sentimientos a los espectadores.Debe de dejar de ser él por completo,para convertirse en otra persona totalmente. El uso de la gestualidad , emotividad e imaginación , junto con los elementos linguísticos, son las herramientas que le permiten desarrollar su capacidad artística y actuar en la transmisión del lenguaje al espectador.
Lenguaje y contenido: inseparables
El modo de actuar no sólo dependerá de la obra sino que también de la realidad que el director quiere comunicar. Y depende de la realidad que quieras evocar, no solamente la actuación, sino todos los elementos que conformen ese lenguaje: "no se puede separar lenguaje de contenido".
El texto teatral
Por otro lado,El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con sus diálogos nos van contando la historia. No vemos un narrador que nos guíe. Sin embargo, el narrador está en el texto teatral de la misma manera que está en el texto narrativo. El narrador de un cuento o una novela nos describe los lugares en los que sucede la acción, nos explica cómo piensan los personajes, qué sienten, cómo hablan. En un texto teatral también encontramos un narrador que nos cuenta dónde sucede la acción, qué sienten los personajes o cómo hablan. El narrador de un texto teatral está escondido detrás de las acotaciones escénicas. Las acotaciones son aquellos textos de una obra que no han de ser pronunciados por los actores y que nos indican, por ejemplo, los nombres de los personajes (dramatis personae), las indicaciones de entradas y salidas, las descripciones de los lugares, las indicaciones para la interpretación, el nombre del personaje que habla en cada momento, etc. Estas notas casi siempre están escritas entre paréntesis. En el teatro griego estas indicaciones las hacía el autor cuando montaba las obras con actores (por eso no están escritas en los textos clásicos), y recibían el nombre de didascalias.
Os adjuntamos video de un fragmento de una obra para que intenteis apreciar todo lo anterior
Si ha pensado enviar flores al camerino de un actor o una actriz -algo que ellos agradecen mucho-, no se le ocurra incluir claveles e el ramo. Esta superstición procede, al parecer, del siglo XIX. Entonces, los teatros contrataban a los intérpretes por temporada y su manera de comunicar la renovación del contrato a una actriz era enviarle rosas.
Si, por el contrario, le enviaban claveles, era la sutil manera que tenía el empresario de decirle que estaba despedida.
En esta escena de moulin rouge, toda la lluvia de petalos que se produce en el escenario son de pétalos de rosas.
