miércoles, 28 de octubre de 2015

CURIOSIDADES DE SHAKESPEARE


Shakespeare vivió 52 años.
Se dice que nació un 23 de abril de 1564 y murió el mismo día que su contemporáneo Miguel de Cervantes, el 23 de abril de 1916.

Al morir William Shakespeare.
Lanzó una maldición (escrita en su epitafio) sobre cualquier persona que profanara su tumba. Shakespeare está enterrado en la Holy Trinity Church de Stratford-upon-Avon, bajo un epitafio que dice: “Buen amigo, por Jesús, abstente de cavar en el polvo aquí encerrado. Bendito sea el hombre que respete estas piedras y maldito el que remueva mis huesos”. Además, una leyenda afirma que en su tumba se hallan las obras inéditas que se sabe que escribió pero que no han llegado a nuestros días.



 En vida Shakespeare.
Escribió 37 obras de teatro y 154 sonetos y hay un total de 13 suicidios en sus obras.

Se casó con una mujer embarazada bastante mayor que él.  

A los 18 años, Shakespeare se casó con Anne Hathaway, ocho años mayor que él y a la que había embarazado. Además de esa primera niña (Susanna), tuvieron luego mellizos: otra niña (Judith) y un niño llamado curiosamente Hamnet. Una de las pocas cosas que se sabe de la relación entre Shakespeare y Hathaway es que acostumbraban a vivir separados.


No existe ningún descendiente suyo.  

Hamnet murió de niño en 1596 y sólo una de sus hijas le dio una nieta, que murió sin descendencia en 1670. En cambio, Shakespeare tenía siete hermanos.

Su obra más corta es la comedia de las equivocaciones

Se representa en menos de hora y media, mientras que Hamlet, su obra más larga, requiere cuatro horas.


Todos sus papeles femeninos están escritos para hombres.

Esto se debe a que en aquella época era ilegal que las mujeres actuaran en obras de teatro. Esta sequía de actrices se mantendría hasta el periodo de la Restauración.

No se sabe cuál es la forma correcta de escribir su apellido.  

En ninguna de las seis firmas que se conservan deletreó Shakespeare su propio apellido como lo hacemos hoy, pues escribió ShakespeShakspeShakspere y Shakespear.


Inventó un total de 1.700 palabras y expresiones.  

O, por lo menos, fue el primero en escribirlas en inglés. Entre ellas se encuentran vocablos de uso tan común como amazement (asombro), arrogance (arrogancia) assassination(asesinato), bloody (sangriento), generous (generoso), road (camino) y suspiscious(sospechoso). También aparecieron por vez primera en El mercader de Venecia la expresión “No es oro todo lo que reluce” y el nombre Jessica.  


Se cree que sus padres e hijos eran analfabetos. 

Shakespeare asistió a una pequeña escuela local, donde aprendió a leer y escribir, además de latín. Sin embargo, esto no era costumbre en aquella época, y los indicios apunta a que su familia, de origen humilde, era analfabeta por lo menos en gran parte.

Macbeth es la obra más representada del mundo
Se calcula que tienen lugar un promedio de seis actuaciones diarias; es decir, el equivalente a una representación cada cuatro horas en alguna parte del mundo.

  

Su profesión era en realidad la de actor.   

Así figura en documentos recogidos entre 1592 y 1603. Se sabe que actuó en una obra de Ben Jonson y que acostumbraba a hacerlo en las suyas. Eso sí, dado que era un hombre atareado, escogía papeles secundarios como el de fanstasma en Hamlet y el de Adam enComo gustéis.

Algunos investigadores afirman que no escribió sus obras

Hay quien dice que muchas las escribió gente a la que contrataba, otros dicen que fue un seudónimo utilizado por algún otro escritor como Francis Bacon e incluso hay quien sostiene que nunca existió tal persona, sino que se trata de una figura ficticia bajo la que se aglutinaron distintos escritores. En cualquier caso, las pruebas de que existió y escribió las obras que se le atribuyen son más sólidas que dichas teorías.



Repartió su herencia de forma extraña.   

Shakespeare hizo mucho dinero al ejercer también de empresario en el mundo del teatro, y decidió cederle la mayor parte de su patrimonio a su hija Susanna y una parte muy pequeña a su hija Judith, mientras que su mujer tuvo que conformarse con su “segunda mejor cama”. Las razones por las que lo pudo haber hecho son sólo especulaciones.

Más de 60 personajes mueren en sus tragedias.

En este gráfico (en inglés) podéis ver lo retorcidos que podían llegar a ser los desenlaces de algunos personajes shakesperianos.

LA CARACTERIZACIÓN EN EL TEATRO

Uno de los elementos más importantes en el mundo del teatro es la caracterización. Esta elemento ayuda al personaje a meterse en su papel y al espectador a visualizarlo.
El trabajo de maquillaje se realiza en los camerinos por maquilladores especializados y en ocasiones por los mismos actores que previamente han dado clases con caracterizadores para poder realizar el maquillaje de la manera más óptima posible.


COMO SE REALIZA EL MAQUILLAJE EN TEATRO

El maquillaje de teatro se elabora pensando en la distancia, entre el escenario y el público, una distancia que podría variar según el lugar donde se realice la representación, haciendo una media de la primera fila con la última. Se contrastan los sombreados de manera que se puedan definir los rasgos y apreciar la expresión del actor desde la mitad de la platea.


A continuación vamos algunas caracterizaciones y maquillajes realizados para teatro.

Corinne 2010                  Cervantes







Gandhi                                         KATS




Como podemos apreciar de cerca, se nota con muchísima claridad la técnica del claro/oscuro, pero si nos fijamos desde la distancia del espectador y teniendo en cuenta lo que los focos afecta al maquillaje, el maquillaje cambia completamente dejando de parecer exagerado.








LA MUJER EN EL TEATRO



Hoy en día se relativiza entre la crítica la consideración de la fecha de 1587 como la de la incorporación de la mujer a la escena como actriz, por la presencia de otros testimonios anteriores que evidencian la presencia de la mujer en el escenario. Recordemos antes que nada que la fecha de 1587 (precisamente el 17 de noviembre de 1587) coincide con la emisión, por parte del Consejo de Su Majestad, del decreto con el que se autorizaba la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándo la a la condición de que sólo representasen las que estuvieran casadas con actores de su misma agrupación. Con este decreto se levantaba la prohibición contra la actuación de las mujeres en las tablas que entró en vigor el 6 de junio de 1586 por iniciativa de la Junta de Reformación y en la que se ordenaba textualmente que “á todas las personas que tienen compañias de representaziones no traigan en ellas para representar ningun personaje muger ninguna, so pena de zinco años de destierro del reyno y de cada 100.000 maravedis para la Camara de Su Majestad”. Prohibición que ese mismo día, 6 de junio, se notificaba al autor Jerónimo Velázquez.




El decreto de 1587 se emitía a raíz de la petición que el mismo 17 de noviembre los hermanos Drusiano y Tristano Martinelli, que dirigían la compañía italiana de I Confidenti, habían presentado al Consejo con el fin de obtener la licencia para representar en el corral del Príncipe de Madrid con las actrices que llevaban en su agrupación, es decir, Angela Salomona, Angela Martinelli y Silvia Roncagli, apodada la Francesquina. En dicha petición los hermanos Martinelli justificaban la necesidad de que las actrices de su agrupación representasen argumentando quetextualmente “las comedias que traen para representar no se podran acer sin que las mugeres que en su compañía traen las representen y porque demas de que en tener esta licencia no se recibe daño de nadie, ante mucho avmento en la limosna en los pobres”.


El 17 de noviembre de 1587 el Consejo de Castilla, tras haber constatado que efectivamente las actrices que formaban parte de la compañía italiana estuvieran casadas y acompañadas por sus cónyuges, promulgaba un nuevo conjunto de disposiciones por las que autorizaba, como se ha dicho, la presencia de actrices en los escenarios, aunque limitándola a dos condiciones: la primera de ellas era que las actrices estuviesen casadas y fueran acompañadas por sus cónyuges .

Actualmente hay igualdad en los derechos de hombres y mujeres y podemos ver obras donde la protagonista es una mujer, o son todas las protagonistas principales mujeres.








LENGUAJE TEATRAL

El lenguaje teatral es un arte que somete a la conciencia del espectador a todo aquello que percibe e imagina a partir de lo que ve o escucha desde una butaca a través de la utilización de la palabra y de elementos no verbales, pasando por un gesto hasta la iluminación, el teatro se convierte en un juego artístico para el actor que crea un mundo imaginario donde el público es el testigo más cercano.



Expresión y juego



El actor tiene que hacer llegar con sus gestos y movimientos los sentimientos  a los espectadores.Debe de dejar de ser él por completo,para convertirse en otra persona totalmente.
El uso de la gestualidad , emotividad e imaginación , junto con los elementos linguísticos, son las herramientas que le permiten desarrollar su capacidad artística y actuar en la transmisión del lenguaje al espectador.




Lenguaje y contenido: inseparables

 El modo de actuar no sólo dependerá de la obra sino que también de la realidad que el director quiere comunicar. Y depende de la realidad que quieras evocar, no solamente la actuación, sino todos los elementos que conformen ese lenguaje: "no se puede separar lenguaje de contenido".


El texto teatral



Por otro lado,El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con sus diálogos nos van contando la historia. No vemos un narrador que nos guíe. Sin embargo, el narrador está en el texto teatral de la misma manera que está en el texto narrativo. El narrador de un cuento o una novela nos describe los lugares en los que sucede la acción, nos explica cómo piensan los personajes, qué sienten, cómo hablan. En un texto teatral también encontramos un narrador que nos cuenta dónde sucede la acción, qué sienten los personajes o cómo hablan. El narrador de un texto teatral está escondido detrás de las acotaciones escénicas. Las acotaciones son aquellos textos de una obra que no han de ser pronunciados por los actores y que nos indican, por ejemplo, los nombres de los personajes (dramatis personae), las indicaciones de entradas y salidas, las descripciones de los lugares, las indicaciones para la interpretación, el nombre del personaje que habla en cada momento, etc. Estas notas casi siempre están escritas entre paréntesis. En el teatro griego estas indicaciones las hacía el autor cuando montaba las obras con actores (por eso no están escritas en los textos clásicos), y recibían el nombre de didascalias.





Os adjuntamos video de un fragmento de una obra para que intenteis apreciar todo lo anterior





LOS CLAVELES EN EL TEATRO

 
Si ha pensado enviar flores al camerino de un actor o una actriz -algo que ellos agradecen mucho-, no se le ocurra incluir claveles e el ramo. Esta superstición procede, al parecer, del siglo XIX. Entonces, los teatros contrataban a los intérpretes por temporada y su manera de comunicar la renovación del contrato a una actriz era enviarle rosas.
 Si, por el contrario, le enviaban claveles, era la sutil manera que tenía el empresario de decirle que estaba despedida.

En esta escena de moulin rouge, toda la lluvia de petalos que se produce en el escenario son de pétalos de rosas.

viernes, 16 de octubre de 2015

LA OBRA MALDITA ESCRITA POR SHAKESPEARE


Las gentes de la escena evitan decir la palabra «Macbeth» en el teatro, y se refieren a ella como «la obra escocesa». De hecho, existe incluso un ritual en el caso de que alguien la pronuncie para limpiar la maldición: salir del teatro, escupir en el suelo, girar sobre sí mismo tres veces y pedir a gritos poder volver a entrar en la sala. Acerca del origen, tampoco está claro. Hay quien culpa a Shakespeare, por incluir conjuros y maldiciones auténticos en el texto.

Otros dicen que a las brujas reales no le gustó el trato recibido en la obra y la maldijeron. Y los más prácticos esgrimen otro argumento: hay tanta violencia y armas en ella que no es difícil que surjan accidentes. El mal fario empezó en el mismo estreno de la obra, en 1606, cuando el actor que interpretaba a Lady Macbeth (en el teatro isabelino no se permitía actuar a las mujeres) enfermó repentinamente y murió entre cajas. Los percances a lo largo de la historia han implicado a actores como Laurence Olivier o Charlton Heston.




LOS COLORES DEL TEATRO

Cada color en el Teatro significa una cosa distinta.
 En las obras se utilizan diferentes iluminaciones para dar un efecto u otro y crear la atmósfera perfecta según la historia que se represente.



Rojo: Enojo, pasión, crimen, vergüenza, tragedia, odio. Sugiere calor, poder, vigor, energía, valor y prisa. Es el color de la realeza y los cardenales. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de tragedia representada con iluminación roja


Naranja: Otoño y cosecha, contento, calor, abundancia. Sugiere pasión e inquietud. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena representando la pasión (por cristo) que se representa con la iluminación en naranja


Amarillo fuerte: El sol, la cosecha y el verano. Sugiere alegría, jubilo, sabiduría y amor como el oro, sugiere pompa y poder. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de alegría representada con iluminación amarillo fuerte


Amarillo suave: Celos, inconstancia, decepción, decadencia, indecencia y enfermedad. Como símbolo de la cobardía, sugiere infidelidad y traición. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de Celos representada con iluminación amarillo suave


Verde: Color de la primavera. Sugiere vida, esperanza, inspiración, vitalidad, juventud, vigor. Como el color de los bosques sugiere soledad, paz y eternidad, celos y misterio. 

En la siguiente foto vemos que hay una escena de vitalidad representada con iluminación verde



Azul: Verdad, quietud, paz, estabilidad, esperanza, espiritualidad, amor. Sugiere un estado de ánimo deprimido.

En la siguiente foto vemos que hay una escena de espiritualidad representada con iluminación azul


Violeta: Realeza, majestuosidad y riqueza. Sugiere vejez, sufrimiento, seriedad y pasión. 


En la siguiente foto vemos que hay una escena de sufrimiento representada con iluminación Violeta


Negro: Muerte, dolor, horror, desesperación, tortura, luto, misterio, maldad y vergüenza. 


En la siguiente foto vemos que hay una escena de muerte representada con iluminación Negra


Blanco: Invierno. Pureza, inocencia, santidad, fe, castidad. Sugiere divinidad, ángeles, virginidad, entereza, humildad, modestia y verdad.

En la siguiente foto vemos que hay una escena de pureza representada con iluminación blanca






EL COLOR AMARILLO EN EL TEATRO


El color amarillo está proscrito en el mundo de la escena, e incluso hay quien se pone nervioso si alguien del público lo lleva. Al parecer, nace de la muerte en escena del dramaturgo frances Jean-Baptiste Poquelin, Molière.




En febrero de 1673, Molière estrenó «El enfermo imaginario», y vestía de amarillo. En plena representación se sintió indispuesto y pocas horas después moría en su casa. Desde entonces, se considera este color gafe para el escenario.



El estreno de «Salomé», de Oscar Wilde, cuyos bocetos de escenografía estaban dominados por el amarillo, acrecentaron su fama, pues la representación pública de la obra fue prohibida en Gran Bretaña hasta 1958. Hoy día cuando se representa Salomé, s continua evitndo el amarillo en escenografia.En el fragmento que esta a continuación podeis comprobarlo.
 
                       
 
 
 
 

jueves, 15 de octubre de 2015

LAS PARTES DEL ESCENARIO

El teatro es la represen de un papel por un actor delante de un publico, en cualquier lugar, desde la calle al teatro, pero vamos a centrarnos en las partes del edificio teatral que conocemos como teatro.

 
Partes del escenario
Escenario

 
Del griego skene, que significa Tienda. Es la parte del teatro donde representan los actores. En la actualidad, algunos teatros cuentan con escenarios circulares, o sea, una plataforma dividida en dos o tres partes, cada una con escenografía diferente. Una de ellas se muestra al público. En el intermedio se baja el telón, se gira la plataforma e inmediatamente aparece otra sección del escenario circular. La escenografía que ya o se utiliza se puede cambiar por otra para dar más rapidez a las acciones.
Orquesta
En los teatros griegos, era la zona situada entre el escenario y el espectador, y estaba destinada al coro. Ahora es el lugar donde se colocan los músicos.Proscenio
Es la superficie del escenario situada delante del telón. La parte del teatro más cercana al público.
Sala
Lugar donde se instalan los espectadores.

Teatro arena

Se trata de un escenario sin telón, alrededor del cual se encuentra el público. Los cambios de actos y escenas se logran por medio de apagones.
Bambalinas
Se llama así a las tiras de lienzo con decorados que cuelgan del telar.

Ciclorama

Es un telón de fondo, semicircular, que cubre la parte posterior de un escenario moderno.



partes_escenario.jpg

aqui teneis un video resumen de las partes del escenario

 

MEJORES OBRAS DEL TEATRO DEL SIGLO XX

El fantasma de la opera - 1909



Es una romántica historia de amor. Su protagonista habita en los subterráneos de la Opera de París. Durante algún tiempo se ha dedicado a horrorizar a los artistas y empresarios del teatro, pero con el cambio de propietarios del lugar todos esperan que la situación cambie.

Misteriosamente un telar cae sobre Carlotta, la diva de la compañía y ésta renuncia. Su lugar es ocupado por una bailarina desconocida de nombre Christine. Ella ha tomado clases de canto con un desconocido a quien llama el Angel de la música e impresiona a todos con su voz.

Más tarde su misterioso profesor la rapta y la lleva a su guarida bajo el teatro de la ópera. Su verdadero raptor es el Fantasma quien le confiesa su amor. Al día siguiente ella trata de desenmascaralo y él le explica la razón de su careta. Ella se conmueve ante su historia y él la deja volver a la superficie.

A su regreso el Fantasma exige que en la siguiente representación Christine sea la protagonista. Los empresarios se niegan y la intérprete principal pierde la voz. Christine y Raoul huyen al techo del teatro y se juran amor eterno. El Fantasma los escucha.

Durante los siguientes seis meses el Fantasma no se aparece, hasta la fiesta de fin de año, donde se presenta disfrazado de la muerte roja con una obra escrita especialmente para Christine. Amenaza con causar estragos si no la montan.

Christine duda y Raoul la convence. Piensa que el Fantasma asistirá a la representación y la policía podrá capturarlo. Pero la noche del estreno el Fantasma asesina al tenor y usurpa su lugar. Cuando intentan aprehenderlo rapta a Christine. Raoul va tras ellos y cae preso del Fantasma. Christine tiene que decidir entre ambos. Si no se queda con el enmascarado, Raoul perderá la vida.






Bodas de sangre - 1933






La España rural pre-revolucionaria es el escenario que ambienta la historia de una joven pareja que está a punto de contraer matrimonio, el cual se ve frustrado por la reaparición de un soterrado y ardoroso amor que existía entre la joven novia y su antiguo y primer pretendiente. Es también una historia de viejas rencillas familiares, la familia del joven novio había sido víctima de la pérdida del padre y el hijo mayor en manos de los Félix (familia del joven raptor de la novia, Leonardo), lo cual engendra en la madre un rencor-odio hacia todo lo relacionado con dicha familia, y un temor-odio hacia cualquier arma que atente contra la vida del hombre.




La casa de Bernarda alba - 1945




Tras la muerte de su segundo marido, Antonio María Benavides, Bernarda Alba decide recluirse y guardar rigurosísimo luto, tanto ella como sus cinco hijas. El luto es roto por la llegada de Pepe el Romano, que pretende a la hija mayor, Angustias. Si bien es una costumbre real, Lorca lo retrata insinuando que además de ser "un drama de las mujeres en los pueblos de España", tiene también la intención de documental fotográfico. La obra comienza con la entrada de las sirvientas hablando del despotismo de Bernarda y con la llegada inmediata de ésta, confirmando su riguroso trato a ellas y sus hijas, e imponiendo silencio. Cuando la hija mayor hereda una gran fortuna que atrae a un pretendiente (Pepe el Romano), celos y pasiones se desatan en la casa, desembocando en un final trágico con la muerte de la más joven, Adela, quien no quiere someterse a la voluntad de su madre. Bernarda finaliza la obra diciendo a sus hijas que su hija no ha muerto virgen, pero Bernarda pide que el pueblo sepa que ha muerto como virgen, y ordenando silencio, como su entrada al principio





Cabaret - 1966




Basado en la obra de teatro I Am a Camera de John Van Druten, que a su vez es una adaptación de la novela corta Goodbye to Berlin de Christopher Isherwood.
Ambientado en el Berlín de 1931, cuando el nazismo comenzaba a tomar fuerza, el argumento del musical gira en torno al decadente Kit Kat Klub y a la relación de su estrella principal, la cantante inglesa Sally Bowles, con el escritor estadounidense Cliff Bradshaw, quien llega a la ciudad en busca de inspiración para su novela. Otra de las tramas de la obra se centra en el romance otoñal entre Fräulein Schneider, una mujer alemana que regenta la pensión donde se alojan Cliff y Sally, y Herr Schultz, un viudo judío propietario de una frutería, todos ellos observados por los ojos del maestro de ceremonias del Kit Kat Klub. El cabaret sirve como metáfora del estado de amenaza que se vivía en los últimos tiempos de la República de Weimar.


Cats -  1980




Cats es un musical de dos actos poco común en cuanto a su construcción, con una obertura que incluye una fuga y pasajes en los que la música acompaña a versos recitados. El espectáculo está completamente narrado a través de la música, sin prácticamente diálogos hablados entre las canciones. La danza también es un elemento clave.


El rey leon 1994




Simba es un cachorro de león y sucesor al trono, algo que no le gusta a su tío Scar y por lo que prepara un plan para ocupar el trono. Con la ayuda de tres malvadas y tontas hienas, Scar urde una treta en la que su hermano y rey Mufasa muere y que provoca que Simba crea que ha sido por su culpa y decida huir a la selva después de que las tres hienas quisieran matarlo también. Allí conoce a un suricato llamado Timón y a un facóquero llamado Pumba, que le adoptaran y, además de entablar amistad, le enseñan la filosofía de vivir sin preocupaciones: el Hakuna Matata. Mientras tanto, su tío Scar toma el trono y todo el mundo cree que Simba ha muerto...Años después, un Simba ya adulto rescata a Pumba de ser comido por una leona. Ésta resulta ser su antigua amiga Nala, que al reconocerlo le pide que vuelva para recuperar el trono. El reino se ha convertido en un auténtico despropósito, mal gobernado y sin ninguna sosteniblilidad. Simba, que en un primer momento no quiere renunciar a su actual estilo de vida, finalmente acepta tras entablar conversación con un mandril llamado Rafiki, el cual le habla sobre su padre. En ese momento, el alma de su padre aparece en el cielo, diciéndole que debe recordar quién es y de donde viene. Después de que el alma de Mufasa desaparezca, Simba, junto con Rafiki, reflexiona sobre lo que él debe hacer y así parte inmediatamente a su hogar a reclamar el trono.



http://www.entrelectores.com/libros/pedro-calderon-de-la-barca/la-vida-es-sueno-pedro-calderon-de-la-barca

miércoles, 14 de octubre de 2015

MEJORES OBRAS DE TEATRO DEL SIGLO XVII HASTA EL SIGLO XIX

La vida es sueño - 1635 - Calderón de la barca


Basilio, rey de Polonia tiene encerrado en una torre de su castillo a su hijo Segismundo. Basado en un sueño y en un horóscopo, cree saber el mal destino al que está condenado por el nacimiento de Segismundo. Por ello le niega la libertad a y lo encierra. Basilio, más adelante duda, y somete a su hijo a una prueba. Pero Segismundo se muestra como un ser fiero porque acaba de descubrir cómo es el mundo al que le ha estado prohibido el acceso. Reacciona como lo han tratado: como un animal, por lo que es encerrado nuevamente. Pero el Rey ya no puede evitar que el pueblo lo sepa y es el pueblo su liberador produciéndose así un enfrentamiento con el monarca, quien sale derrotado. Pero finalmente, Segismundo en un alarde de humanidad lo perdona. La comparación de la vida con un sueño se relaciona con el tema de la apariencia y la realidad, y, en definitiva con el sentimiento de la inconsistencia de la vida.





El barbero de sevilla - 1775




Figaro es el barbero más famoso de Sevilla y siempre está solucionando problemas ajenos. El conde de Almaviva, un viejo amigo suyo, va a visitarle para pedirle ayuda, porque a Rosina, de la cual está enamorado, la quieren casar con Bartolo, un hombre mucho mayor que ella. Fígaro y el Conde tendrán que impedir esa boda por todos los medios.Esta obra es para opera.

  


Don juan tenorio - 1844



El protagonista de esta obra es Don Juan Tenorio. Es una persona a la que se le pueden atribuir las cualidades de romántico y lleno de emociones, pero también de mujeriego. Este personaje sufre una gran evolución a lo largo de la obra. En un principio se muestra como un hombre extraordinario, por encima de los demás que debido a sus numerosas hazañas es poseedor de grandes riquezas y consigue fama de franco, valiente y noble. En la segunda parte, cuando acaba con la vida de Don Luis Mejía y Don Gonzalo, su reputación cambia totalmente para convertirse en la de un ser cruel, provocador, peleador, seductor y jugador, que vive sin respetar nada ni a nadie, ni siquiera la razón o la justicia, principios básicos, ofendiendo y vendiendo mujeres y batiéndose en duelos con los hombres, despreciando todo, incluso lo religioso, que en aquella época era de vital importancia y respeto. Al final de la obra muere por amor, por el que le profesa a doña Inés, él fallece a sus pies. Doña Inés es la única que ha conseguido el respeto y admiración del protagonista. En la obra no se le describe explícitamente, pero se puede deducir que es un hombre atractivo, valiente, encantador, interesante, apasionado, expresivo, impulsivo, enamoradizo, con un sutil poder de persuasión, pero también pícaro y bribón. Hace que cada mujer a la que desea conquistar se sienta como una diosa y una vez que la consigue la abandona para conquistar a otra.




  Los miserables - 1862



Trata de la vida de Jan Valjean un hombre al cual las circunstancias o fueron llevando por diferentes caminos... condenado a la cárcel por robar pan para los hijos de su hermana, al salir le es difícil seguir un camino recto y llega a dar a un convento donde todo cambia porque se hace alcalde de la pequeña comunidad. Durante ese camino conoce a Fatine, la cual muere y le hace prometer que cuidaría de su hija Cosset, que al conocerla se vuelve su razón de vivir.
Cuando crece conoce a Marius, un abogado de bajos recursos que vive solo y se reúnen. Marius se enamora de Cosset y viceversa pero a Jan Valjean no le gusta nada por que Cosset es ahora su hija y el amor de su vida.
Después en la barricada el ejercito francés se enfrenta con el pueblo, y allí esta Marius que es salvado de la muerte gracias a Jan Valjean al ver como sufre Cosset por la posibilidad de perderle. Jan Valjean con Marius en los brazos se va por el alcantarillado hasta salir sanos y salvos.
Jan Valjean muere en una vieja casa, y unos minutos antes de morir llegan Cosset y Marius lo cual hace que Valjen pueda morir tranquilo sabiendo que hay alguien que cuidara de su tesoro mas preciado Cosset.







Carmen - 1872
Se trata de la historia de una pasión atormentada entre una astuta y atractiva muchacha y un ingenuo soldado enloquecido por los celos.
La historia transcurre en Sevilla. Don José arresta a Carmen, la cigarrera por crear disturbios callejeros; Pero como ella lo seduce y éste la deja escapar; entonces, Don José paga con su arresto.
Carmen y Don José se encuentran en una taberna. Don José está totalmente entregado a los caprichos de la cigarrera. Aparece el célebre torero Escamillo que se interesa por Carmen, que con una actitud algo ambigua, le pide que huya con ella a las montañas para unirse a unos contrabandistas. Don José duda, pero una pelea con su superior le impide la opción del regreso.
En el refugio de los contrabandistas, aparece Micaela una vieja amiga del pueblo natal de Don José. Trae una carta de su madre. Más tarde llega Escaramillo otra vez, y se bate a duelo con Don José. Carmen se interpone, pero intercambia antes miradas de complicidad con el torero.
En la plaza de toros, Escaramillo vence y le dedica a Carmen su triunfo. Don José sufre de celos y con Carmen por el engaño. Finalmente la asesina.